2025年香港巴塞爾藝術展（Art Basel Hong Kong）匯聚了來自42個國家的240間藝廊，其中23間首次參展，彰顯了香港作為亞洲文化和市場樞紐的獨特地位。此次盛會不僅是藝術交易的平台，更是藝術與設計在展廳與公共空間中對話的契機。

展會的焦點之一是「藝聚空間」（Encounters），專為大型作品設計的展區，將展示18件來自不同地區的裝置藝術。由策展人Alexie Glass-Kantor策劃的「藝聚空間」，以「As the World Turns」為主題，通過四大主題平台挑戰藝術、空間與觀者之間的互動：

一、「Passage」（歷程）：文化韌性的流動敘事

透過Pacita Abad、Pio Abad、Betty Muffler、達菲．林加爾、安德拉．馬丁及Nadia Hernández的作品，展現文化記憶、韌性及敘事的變革力量。這些藝術家深入探討個人與集體歷史，交織身份、地域與共同經驗。透過作品構建出關於韌性與轉變的豐富敘事，彰顯藝術在保存記憶和促進理解上的強大影響力。

展出已故菲律賓裔美國藝術家帕西妲·阿巴德（Pacita Abad）的三幅遺作（Silverlens & Tina Kim畫廊），這些作品共同構成了一件展示她開創性藝術實踐和深遠影響的核心裝置，由其侄子藝術家Pio Abad協作完成。《The Sky is the Limit》以精緻的裝飾和鮮豔的色彩傳達無限的樂觀。Abad的藝術實踐受益於她的全球旅行經歷，並體現了她對藝術作為連結力量的信念。她的作品充滿歡樂、反抗和團結，邀請觀眾探索自我認同、遷移與創造力的複雜性。

Betty Muffler，1944年生於南澳大利亞Watarru，作品融合了堅韌、文化智慧與療癒力量。這次展覽展出的大型單色畫，靈感源自Iwantja Arts藝術中心的繪畫棚架，將作品與土地和文化緊密連結。

Muffler的藝術實踐深受其作為馬拉林加核試驗倖存者的影響，這段歷史使她的家人流離失所，土地也受創。她的作品中反覆出現療癒的主題，如《Healing Country》中，強烈的節奏展現了人、土地與精神的聯繫。作為治療師，Muffler持續支持社區的身心康復，她的藝術傳遞著親情與希望，邀請觀眾思考關懷、尊重及原住民智慧的永恆力量。

印尼藝術家達菲．林加爾與建築師安德拉．馬丁再次合作，創作出一件融合繪畫與建築的裝置。這件木質結構巧妙地將小型作品融入其中，形成一種相互依存的關係，挑戰傳統的界限。

作品以動態張力為核心，創造出充滿張力的空間，讓觀眾彷彿置身於藝術與建築的辯證之中。林加爾的圖像語言與馬丁的建築美學在此完美交融，逐漸模糊了兩者之間的界限，挑戰了對空間的固有認知。

藝術家Nadia Hernandez以其委內瑞拉文化及流散經歷為基礎，創作出多媒體裝置《El Segundo Verso》，探討記憶與身份。這件雙面大型作品融合碎片化的文化符號，透過聲音藝術與動態影像編織出跨地域的敘事。觀眾在其中漫步，耳邊迴盪著掙扎的呼喊與歡慶的笑聲。

Hernández以詩意手法重構離散經驗，平衡政治性與抒情性，創造出沉浸式空間，邀請觀眾思考記憶、遷移與歸屬如何塑造人性。她的作品頌揚文化存續，並對故事作為抵抗與再生力量進行詩意沉思。

二、「Alteration」（轉化）：顛覆物質性的抽象革命

四位藝術家透過傳統形式與工業材料，深入探索當代生活。Liam Gillick、何恩懷、廣直高與Hayal Pozanti的作品融合抽象藝術的視覺語言與現代主義結構，探討身份、過程及人與環境之間的演變關係。這條展廳走廊重新構想抽象性與物質性，將過往理念在當今世界的複雜性中賦予新生。

這七組色彩斑斕的建築結構，既是休憩空間，也是對話平台。Gillick巧妙運用建築語彙，探討公共空間對人際互動的影響。隨著光線在不同時段穿透色彩結構，地面上形成流動的光影，象徵社會對話的流動性與可能性。挑戰了傳統會議空間的框架，創造出一個更開放、更自由的交流場域。

香港藝術家何恩懷歷時三年創作的這件大型裝置，靈感源自九宮格建築改造，通過精密的鐳射切割與機械加工，展現現代主義的理性美學。作品呈現錯綜複雜的幾何結構，挑戰觀者對秩序與混沌的認知。抽象化的建築元素，創造出嚴謹而詩意的思考空間，邀請觀眾重新審視與建築環境的關係。

日本藝術家廣直高的25英尺巨幅布面作品《The Swimmer》展開了一場關於物質與存在的哲學對話，超越傳統繪畫，成為一場持續的行為藝術實驗。以獨特的表演技法，在畫布上留下游動的軌跡，墨染、油彩和各種材料的揮灑彷彿描繪出游者在不穩定海洋中的掙扎。點與筆觸成為尋找自我定位的錨點，觀眾在面對這幅龐大作品時，體驗到一場關於人類生存狀態的視覺沉思。廣直高將繪畫、表演與物質性完美融合，創造出一個深具當代寓意的作品，促使人們反思物質性及其背後的無形力量。

土耳其藝術家 Hayal Pozanti創造了一個沉浸式的雕塑環境，將生物形態的視覺語言，擴展至一個由符號、傳統與未來交織的空間。以鏡面拋光的材質打造出充滿未來感的有機形態，巧妙地運用類似阿米巴原蟲的形狀，形成獨特的視覺語彙。這些鏡面效果不僅反射周遭環境，還營造出流動的時空感，讓觀眾體驗一個介於現實與想像之間的宇宙，暗示著人類與自然、科技與生命之間微妙而複雜的關係。

三、「Charge」（交匯）：數位與實體的臨界交匯

一眾藝術家探索數碼與現實交融的流動邊界，思考科技如何重塑人類體驗。陸揚、艾莉森．阮、喬恩．拉夫曼和王業豐透過影像、雕塑與多媒體環境，模糊現實與虛擬的界線，邀請觀眾反思當代生活中支離破碎的現實。他們探討連結與斷裂、現實與虛擬之間的張力，對不斷變化的數碼時代展開詩意的沉思。

上海藝術家陸揚的最新作品《獨生獨死 – 創造者》挑戰了傳統展示空間的界限，將零售空間與數位藝術巧妙結合，創造出一個介於現實與虛擬之間的曖昧地帶。作品融入了 DOKU（虛擬和藝術化身）的概念，受快閃零售美學啟發，將購買行為轉化為一場充滿機遇的遊戲，虛擬藝術家創作的藝術品被隱藏在「盲盒」中。這種互動方式讓買家質疑藝術價值、作者身份與交換行為，陸揚探討了數位時代藝術價值的流動性，以及科技如何重塑我們對藝術和商業的認知，呈現了當代消費文化、虛擬實境與藝術本質的前衛對話。

我們該如何應對被制度操控的個人和集體回憶？越裔藝術家艾莉森．阮的多媒體作品，透過半透明門簾劃分的工業空間，象徵著塑造記憶和身份的基礎建設，探討生活經驗與文化記憶的邊界。作品結合了影像、聲音和裝置，運用Matthew Nguyen的詩作《Cu》及虛構的新創公司《Aisle 9》作為敘事框架。每個環節都隱含著對文化記憶的深思，藝術家透過聲音裝置、視覺投影和互動體驗，創造出一個介於現實與虛構之間的敘事空間，引導觀眾反思在數位時代中個人記憶如何被科技改寫與重構。

德國藝術家喬恩．拉夫曼的數位裝置《信號衰減》，探討了人工智能與集體記憶的關係。作品運用MTV時代的影像素材，透過AI技術重新編織，創造出一個介於現實與虛構之間的敘事空間。觀眾在裝置中體驗數據衰減與記憶重構，拉夫曼揭示了數位平台如何操縱和重塑我們的集體記憶，並反映出人工智能時代中真實與虛擬的界限日益模糊。

《沙漠花園》不僅是一場視覺盛宴，更是對生態與存在的思考。王業豐通過作品，邀請觀眾反思人類在自然界中的角色，以及科技如何影響我們對環境的認知。裝置中的光影變化與花朵的搖曳，象徵著生命的脆弱與堅韌，並暗示在不斷變化的世界中，適應與創造的必要性。

在充滿未來感的空間中，觀眾不僅是旁觀者，更是參與者，透過與裝置的互動，感受到人類與自然、虛擬與實體之間的微妙。作品在挑戰我們對於現實的理解，並探討在科技進步的同時，如何保持對自然的連結。不僅是對美的追求，更是對人類存在意義的探索，讓我們在這片沙漠花園中找到屬於自己的位置。

四、「The Return」（根源）：靈性循環的空間儀式

藝術家們借鑒祖先智慧、個人歷史與變革，探索神話、靈性與文化傳承。Pedro Wonaeamirri、瓦吉科．恰齊亞尼、許智慧、陳麗雲與Gemma Smith透過雕塑、電影和裝置等媒介，引導觀眾思考生命、死亡與再生的循環，架起傳統與當下之間的新橋樑。這些作品重新詮釋神話與儀式，創造出反思的空間，使文化記憶與變遷以詩意且出乎意料的方式交融。

來自澳洲梅爾維爾島的提維族藝術家Pedro Wonaeamirri，出生於Pirlangimpi，深受White Cockatoo血脈的影響，創作出融合傳統Pukumani儀式元素的作品。四色為基調，在鐵木材質上展開視覺詩篇。這些巨大的鐵木雕塑是哀悼儀式不可缺的部分，象徵著血統、親屬關係及與土地的深層聯繫。突破傳統形式的侷限，將古老圖騰轉化為當代語彙的視覺符號。觀眾在欣賞中不僅能感受到提維族的文化底蘊，還見證原住民藝術在全球化語境下的創新與傳統智慧的重生。

格魯吉亞藝術家瓦吉科．恰奇亞尼的《天空之下》，在Art Basel 2025引人深思。這件創作於2021年的水景裝置，透過流動的水體探討流亡、創傷與記憶的複雜交織。緩慢爬行的生物投影與波動的水面相互輝映，創造出介於現實與夢境之間的詩意空間。恰奇亞尼巧妙運用光影和水的流動，呈現離散與歸屬的深刻隱喻。在作品前駐足，成為這場關於歷史、記憶與身份對話的參與者，見證個人經驗與集體記憶的微妙交融。

韓國藝術家許智慧的大型懸掛裝置以其獨特的存在感，帶來視覺與心靈的震撼。這些輕盈飄浮的紙質雕塑，講述著物質轉化的故事 —— 廢棄書籍和報紙在她的巧手下重獲新生，與天然草藥的氣息交織，創造出介於永恆與瞬逝之間的詩意空間。

每件懸浮作品如同浮游的記憶碎片，在光影中舞動。許智慧以深厚的雕塑技藝，將廢棄物轉化為豐富的藝術語言，展現傳統工藝的精湛技法，並喚起觀眾對可持續藝術的深度思考。這些作品不僅是視覺盛宴，更是一場關於物質、記憶與時間的哲學對話。

藝術家陳麗雲的集大成之作，融合了現場表演「Questioning the Line」與持續進行的「Beyond the Surface」系列，透過24件可穿戴的紙質雜誌挑戰傳統展示界限。作品靈感來自波赫士的文學，將個人記憶轉化為集體敘事，邀請觀眾參與人與自然、語言與地域的對話。陳麗雲巧妙地將紙媒轉化為動態裝置，創造出充滿詩意的跨媒體空間，促使觀眾重新思考與故事的關係。

澳洲藝術家Gemma Smith的大型裝置《陰影畫作》，挑戰了傳統的觀看方式，延續了她對抽象藝術的深入探索，並以全新視角重新詮釋形體與空間的關係。作品透過精心設計的層次結構，創造出流動的視覺場域，並運用不同的幾何形態和色彩層次，讓觀眾在移動時體驗不斷變化的視覺效果。每個角度都呈現出新的構圖可能，挑戰我們對固定性與確定性的認知，展開一場感知極限的實驗。

Monster Chetwynd的《Lanternfly Ballet》將太古廣場化為魔幻生態劇場，三座巨型長鼻蠟蟬雕塑，以水彩拼貼重構被誤解的物種，交織科學與詩意。剪紙荷葉鋪成互動場域，觀眾腳步與舞者即興共舞，當電子音樂浪漫揚溢，霓虹觸鬚與肢體搖曳共譜存在與虛無的辯證。這件流動裝置既是公共儀式，也是城市生態箱，邀請所有人以行動改寫空間的基因密碼。

撰文：李芯泳（Monique Lee）

Mas Studio Ltd.設計總監

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